Modelos comparados de educación artística.

La Esmeralda

La ENPEG, no comenzó precisamente como una escuela de artes, sino como una especie de talleres al aire libre en los que se le enseñaba a la gente la técnica de la   pintura y escultura. Una peculiaridad era que cualquiera podia ingresara estos talleres, sin importar su edad, ocupación o estrato social, de hecho uno de los objetivos era llevar el arte a todos los sectores de la población. La historia de la escuela comienza con la apertura de la escuela al aire libre de Santa Anita, posteriormente se funda como la Escuela Libre de escultura y Talla directa. Fué refundada en en 1943 como la escuela de pintura y escultura.

La planta docente de la Esmeralda, desde sus inicios ha estado conformado por importantes personalidades del arte de cada época. Su primer plan de estudios era muy avanzado para su época ya que ofrecia educación artistica para todos, y no solamente para un sector de la población.

Durante los primeros años de la escuela se observa la influencia de la Escuela Mexicana de Pintura, de hecho estaban en búsqueda de un arte nacional, de raíces populares, aunque basados en la libre expresión de sus estudiantes. Posteriormente, en la década de los 50 se comenzaron a explorar soluciones plásticas alejadas de la representación figurativa y la temática nacionalista.

Actualmente de la ENPEG egresan profesionistas con el título de Licenciados en Artes Plásticas y Visuales, título que me parece pretende ampliar el desarrollo de los artistas, aunque en palabras de la directora, "la escuela no pretende crear artistas que vendan arte, sino artistas que sepan como relacionarse con la sociedad", lo que me remite un poco a la escuela de principios del siglo XX  que queria llevar arte al pueblo, tal vez se refiera un poco a eso.

La Bauhaus

Al ver este video de la Bauhaus, puedo notar ciertas similitudes con la Esmeralda, no solo en su plan de estudios actual, sino también en ciertos factores o ideas que caracterizaron a estas dos escuelas.
Por ejemplo, el método de enseñanza estaba basado en talleres de producción, donde el alumno aprendía directamente creando cosas, aunque en la Bauhaus habia una peculiaridad, las técnicas eran enseñadas por artesanos mientras que la inspiración estética era enseñada por artistas.
Otra similitud era que ambas escuelas querían que cualquiera tuviera la posibilidad de ingresar, de alguna manera creo que en ambas se pretendía llevar arte para todos, aunque en la Bauhaus era de una manera indirecta, por así decirlo, por medio de la ingeniería y el diseño de objetos  simples y utilitarios, utilizando materiales que reflejaran la modernidad que se estaba viviendo, cuestión en la que La Esmeralda se encontraba muy rezagada aún.
En cuanto al plan de estudios de la Bauhaus encuentro que es muy similar al plan actual de La Esmeralda, al inicio los alumnos, toman una especie de introducción, que posteriormente les permitirá enfocarse en una producción personal libre.

Función social del arte

Cuál es la función social del arte?

Una pregunta difícil, acaso es el reflejo de una época?, de una sociedad? o probablemente de ambos?, el arte, probablemente sea lo más enérgico y expresivo que cada sociedad produce y ha producido a lo largo de la historia, es una especie de huella de la humanidad desde un punto de vista plástico y del pensamiento.

La educación en el arte posmoderno. Arthur D. Efland

En realidad, por mas que le demos vueltas el método con el que nos educan actualmente es inevitable pensar que no ha cambiado en nada, no ha sido incapaz de evolucionar.

Por lo que esta idea de individualismo es completamente una ilusión ya que nadie puede ni podrá vivir fuera de la historia tal es así que los valores del artista, como su genio u originalidad se verán devaluados en el futuro.

Debido a que la nueva cultura abandona el método lineal de la historia y la geografía pierde importancia, el conocimiento artístico deja de ser universal, para volverse un estudio aislado.

- Progreso, cambios de paradigma y modernidad

Esto se inicio con la Ilustración y la evolución científico, en el que dicho progreso descartaba viejas concepciones en favor de paradigmas mas complejos y abarcadores, remplazando las teorías establecidas con nuevas. (Khun).

Gablick se refería a esto como un paradigma potente dentro de la sociedad, que determinada el modo en que se piensa y en como resolvíamos problemas, este paradigma social casi nunca llegaba a enunciarse explicita-mente, pero definía la versión inconsciente de la realidad popular, que no trascendía los limites impuestos por la sociedad.

Lo que nos lleva a la pregunta ¿que tan seguros estamos de que estos cambios siempre sean para el bien?

- Cambios de paradigma en la educación del arte

Las revoluciones siempre surgen debido a alguna problemática o deficiencia presente en su realidad, lo mismo ocurre en la educación, cada cambio dentro de esos métodos se dieron a partir de ciertos defectos

- Cambios de paradigma en el arte moderno.

Estas revoluciones tuvieron como trama el progreso artístico desde el impresionismo, respondiendo a la anterior premisa, una revolución debido a un déficit, estos artistas que logran ver y realizar el cambio son considerados por Willem De Kooning como interrupciones que llevan a un descubrimiento, tomando en cuenta las 4 viejas tradiciones de la formación artística

1. ELEMENTOS DE DISEÑO EN LAS PEDAGOGÍAS DE LA MODERNIDAD

Es decir, los elementos del diseño se convierten en el eje de la enseñanza, viéndose incluidos los descubrimientos del arte no occidental y el estudio sistemático  de la cultura ornamental de dichas culturas. siendo Arthur W. Dow uno de los principales investigadores que disconformes con la teoría académica se dedico a buscar una nueva.

Snedden, el sociólogo, se preguntaba si la sociedad y la cultura norteamericanas habían alcanzado el nivel de desarrollo  en el que ya no necesitaran de un arte de calidad social.

Quizá la capacidad del arte, de entender a la sociedad ya no es lo que fue y por consiguiente el tiempo que aun desea desplegar su energía y recursos en el arte, se ve defendida pues la sociedad ya no lo cree necesario, este sentimiento hacia de la educación una manera o arma para sobrevivir convirtiendo al artista en un ser marginal que no terminaba de entrar dentro de los estándares empresariales.

- LA EXPRESIÓN CREATIVA DEL YO: LA SEGUNDA PEDAGOGÍA DE LA MODERNIDAD

Es aquí cuando se descubre la importancia del arte infantil (aun cuando muchos digan que no es arte), aun cuando los psicólogos ya habían trabajado con dibujos realizados por los niños para su diagnosis.

Frank Cizek desarrollo diversos métodos para estimular dicho arte y enriquecerlo, esta actividad quizá lo llevo a romper con la pintura academicista creando un estilo expresionista.

Se creía que estos niños tenían la capacidad innata de ser genios, pero la sociedad era quien le robaba esa posibilidad estandarizandolos.

Malcolm Cowley “ Cada ley del arte que coarte la expresión del yo debería ser destruida y abolida”

Existe un concepto de la educación progresista que decía que la salud psicológica queda asociado al proyecto de liberar al niño de las inhibiciones sociales, pues somos el producto de la educación lineal, en la que el individuo con posibilidades artísticas se ve moldeado de tal manera que le es sumamente difícil crear de manera “pura” pues se ve sumamente influenciado por los paradigmas ya grabados dentro de el

Por esto es que Dow considera oportuno que esta formación en el arte sea implementada desde el jardín de niños hasta la universidad, en cualquier lugar de enseñanza, pero peleo y parece ser que siempre peleara con un materialismo agresivo que antepone las necesidades de las cosas antes que las de la gente

- EL ARTE EN LA VIDA COTIDIANA Y LA MODERNIDAD.

En 1930 el movimiento por una educación progresista dejo de preocuparse por el caso del niño y empezó a preocuparse por la sociedad en conjunto, esos primeros representantes de la modernidad habían visto  que la búsqueda de la abstracción y la universalidad es un factor predominante del progreso.

Melvin Haggerty “El arte como provincia de unos pocos sofisticadas debe permanecer fuera de nuestros modelos de pensamiento. El culto al arte puede obstaculizar mas que ayudar a hacer del arte un modo de vida…”

- ORIENTACIÓN HACIA LAS DISCIPLINAS Y LA MODERNIDAD

Teniendo en cuenta el ambiente psicológico de la época (desde la gran depresión hasta nuestros días) no es de extrañar que las materias de arte hallan sido eliminadas, para darle paso a la ciencias y así poder levantar al país de manera competitiva.

Barkan presento su visión de la educación artística del futuro como el lograr que el estudiante se planteara cuestiones parecida a la de los artistas, por otro lado el artista, permanecería solo en compañía del critico y del historiador del arte, prácticamente se convertiría en el sujeto a investigar.